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Este blog pretende recopilar todo lo que escribo por ahí, meter algún bocadillo de reflexión personal y por ahí alguna receta de guacamole.
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sábado, 15 de febrero de 2014

Catálogo BARS: Savaged (2013)

Savaged (2013) de Michael S. Ojeda



Una muchacha sordomuda es brutalmente golpeada y abusada por una salvaje pandilla de 
gangsta-gangstas quienes la dejan a la deriva, casi moribunda. A su rescate aparece un indio apache pero en el medio de la macumba algo sale mal y el espíritu de un guerrero indio maligno toma posesión del cuerpo y qué busca: venganza.Siguiendo la misma fórmula del subgénero rape/revenge (violación y venganza) devenido del explotation. 

Savaged la primer película comercial de Michael S. Ojeda dedicado más que nada a la producción televisiva. Se puede considerar una prima lejana de I Spit On Your Grave por la temática y la fórmula de realización: hombres cometen una violación, mujer cobra venganza.

Conservando la premisa tarantinesca , esa que aparece al principio de Kill Bill: “Revenge is 
a dish best serve cold” (La venganza es un plato mejor servido frío) Savaged adhiere unos 
condimentos a la historia para volverla más peculiar. Como las capas de una cebolla, además del subgénero madre, la película de Ojeda tiene mucho slasher – Jason style - posesión demoníaca e indios malvados fantasmas.

Cine: Balnearios (Mariano Llinás, 2002).-

REVISTA NAN

LUNES, 1 DE JULIO DE 2013

Cine: Balnearios (Mariano Llinás, 2002).-

La historia de un hotel ubicado en un balneario costero es la excusa que Llinás utiliza para contar las costumbres y conductas humanas que aparecen en estos lugares cuando, colapsados, la temporada turística de verano irrumpe la rutina de las grandes ciudades.

Por Rocío Rocha
Fotografía gentileza Balnearios

Buenos Aires, julio 1 (Agencia NAN – 2013).- Enero es el peor mes del año para estar en un centro urbano como, por ejemplo, la Ciudad de Buenos Aires. Está todo pegajoso y húmedo, y la gente se pone de malhumor, se nota en el transporte público. Los choferes de colectivo agreden de más a los taxistas, la gente se vuelve violenta, intolerante. Todo es culpa del calor. Para combatirlo, además del aire acondicionado, el helado y el ventilador está el agua. Enero es temporada alta en centros turísticos donde hay playas y, por ende, balnearios. Balnearios es una película que, a través de la historia de un gran hotel frente al mar, se encarga —y muy bien— de las costumbres y conductas humanas que aparecen en estos lugares, de los personajes que habitan en el interior de la provincia.Balnearios redescubre un mundo.

La película tiene dos episodios clave. El “Episodio de las Playas” trata todos los clichés y situaciones posibles que deben ser enfrentadas cada vez que se va a vacacionar a un centro turístico playero. La voz en off, irónica, segura y graciosa enumera y detalla con precisión: el tomar sol, los niños, los grupos de baile, las siestas, los “útiles” de playa, el mar y la gente, el centro de la ciudad balnearia que funciona (y esto es comprobable en cualquier ciudad/pueblo) como si fuese una cinta de Moebius, la rutina del turista y otros tipos de actitudes humanas. El segundo, el “Episodio de Zucco”, retrata el momento en el que la película se olvida de la playa y se mete en el interior de la provincia, en los balnearios construidos con cemento. Entonces, la historia encuentra a Zucco, un extravagante pueblerino comparable al “Jorge Mario” de Nestor Frenkel en Amateur. Zucco es artista, escultor, socio del rotary club, poeta y un montón de cosas más. Un gran hallazgo el personaje de provincia que le da una vuelta a la película: todo lo que dirá, por más de que no esté diciendo nada, será atrapante.


Internet categoriza a Balnearios bajo el género de “falso documental”. Pero se equivoca. La producción de Mariano Llinás es una película moderna que no pertenece a un género en particular, que es todos los géneros al mismo tiempo.

Llinás es un punk anarquista del cine. Produce de manera independiente y sus películas experimentan con la narración. Es necesario aclarar que la palabra “experimentación” en el cine argentino no necesariamente está ligada a la palabra “aburrimiento”. Llinás hizo también Historias Extraordinarias (2008), una película de aventuras de cuatro horas de duración que pone en jaque varias teorías cinematográficas. Un elemento polémico a la hora de contar historias es el uso del la voz en off, usualmente bastardeado porque indica “una pereza” de parte del realizador de contar con palabras aquello que no puede mostrar con imágenes. En Balnearios la voz en off está presente durante toda la película para contar, mantener atento al espectador, contradecir la imagen, acompañarla. Llinás demuestra desde su ópera prima que la voz en off posee una cantidad infinita de recursos que la vuelven una gran herramienta: no hay razón para temerle, sino motivo para seguir investigando todas las posibilidades que este recurso extradiegético nos ofrece para contar historias.

Plaga Zombie: Zona Mutante: Revolución Tóxica

REVISTA NAN

LUNES, 20 DE MAYO DE 2013

Plaga Zombie: Zona Mutante: Revolución Tóxica.-

En el cierre de la trilogía de “no vivos” criolla, los personajes principales toman caminos separados para salvar a la humanidad de una invasión alienígena. El objetivo: construir el zombie de Troya para hacer explotar la nave nodriza extraterrestre.
 
Por Rocío Rocha
 
Buenos Aires, mayo 20 (Agencia NAN  2013).- Algo se pone de moda cuando se vuelve colectivo. Hace un par de años los zombies se pusieron de moda. Gracias a series como The Walking Dead, los “no vivos” empezaron a caminar en plataformas audiovisuales por todo el mundo generando fanes por doquier y ocasionando un interés particular en el mundo zombie. ¿Y qué pasa con Argentina? Nuestro país, aunque no lo parezca, tiene cultura zombie. En 1997 un grupo de adolescentes provenientes de Haedo, con una marcada influencia del cine de Peter Jackson (Braindead, Bad Taste) y Sam Raimi (Evil Dead) filmaron con una cámara de VHS su primer largometraje llamado Plaga Zombie, convirtiéndose esta en la primer película de muertos vivientes del cine nacional. A 15 años de aquel momento, y con Plaga Zombie: Zona mutante –la segunda parte, 2001-- como paso intermedio, Farsa Producciones sumó Plaga Zombie: Zona mutante: Revolución tóxica, el cierre de la primera trilogía criolla de “no vivos”.

 
Conocida popularmente como Plaga Zombie 3, el largometraje continúa con las aventuras de Bill Johnson (jardinero), John West (luchador de catch) y Max Giggs (nerd de las computadoras),desarrolladas en las dos primeras entregas. En la última aventura, los tres héroes intentarán detener la invasión alienígena que ha infectado a la población convirtiéndola en zombies. Para eso, en esta película los héroes toman caminos separados. El objetivo: construir el zombie de Troya para hacer explotar la nave nodriza extraterrestre.

La última apuesta al género de Farsa Producciones pone todas las cartas en la mesa porque no tiene nada que perder. EPlaga Zombie 3 hay una gran variedad de elementos: efectos especiales, estampidas de zombies, batallas épicas y ¡hasta un momento musical!, que al combinarse dan como resultado una película de entretenimiento puro que puede ser vista tanto por niños como por adultos.
Es imposible, durante el transcurso de la historia, no generar algún tipo de empatía con los personajes, especialmente con la relación que construyen Max Giggs (interpretado por Hernán Sáez, director de la película junto a Pablo Parés) con el zombie Junior (Paulo Soria, director invitado).Plaga Zombie 3, también le da lugar a personajes de la historieta argentina: Esteban Podetti interpreta al agente James Dana (rol que viene cumpliendo desde la primer película); el dibujante Liniers hace de zombie y Diego Parés entrena a John West.
La trilogía completa de Farsa Producciones pudo verse completa en los cines durante la última edición del BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), en abril pasado, categorizada en su sección “Vanguardia y Género - Retro”, fenómeno que no ocurría desde 2011, cuando por primera vez se proyectaron las tres películas en continuo en el 12ª Festival Buenos Aires Rojo Sangre. El combo recibió el Premio del Público de ese festival y Hernán Sáez resultó ganador en la terna Mejor Actor. La trilogía Plaga Zombie, así como todas las películas de Farsa Producciones pueden verse online en su canal de YouTube (http://youtube.com/farsaproducciones) o adquirir su edición en dvd, en la distribuidora de cine independiente VideoFlims (http://www.videoflims.com.ar).

Yo pensaba que Frodo era Luke Skywalker


 Yo pensaba que Frodo era Luke Skywalker

       -     ¿Qué vamos a ver al cine?
-       El Señor de los Anillos.
-       ¿Qué es eso?
-       Es un libro que hicieron película. La hizo un director de Nueva Zelanda que se llama Peter Jackson.
-       ¿Quién es Peter Jackson?
-       El que hizo Meet the Feebles, la película esa de los muppets trastornados.
-       Ahhh…y de qué se trata El Señor de los Anillos.
-       Es de la Edad Media, hay hobbits, elfos, guerra. Es una de aventuras.
-       Suena aburrida.
-       Dura como tres horas, leí un montón de críticas y dijeron que estaba buenísima.
-       Pero suena aburrida ¿no hay otra cosa? ¿No es Star Wars? Nunca entendí Star Wars.
-       No es Star Wars, el de Star Wars se llama Luke Skywalker y no es la misma película. Vamos a ir a ver El Señor de los Anillos.

Tenía aproximadamente diez años cuando mi papá me llevó a ver la gran historia de la Edad Media, fueron tres horas y media en las que me reí, temí y tuve mi primera indignación para con una película. Lord of the Rings: The Fellowship of The Rings (El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo), a partir de ahora LOTR fue una de las películas de mi juventud. Puedo decir por mi corta edad que crecí con y mirando la trilogía.
Es la Cahiers du Cinema y sus críticos quienes elaboran la teoría del autor. Para François Truffaut el autorismo reside en la visión del mundo que tiene cada autor además Truffaut encuentra los autores en la clase B. Podemos decir que Peter Jackson es un autor, sus primeras películas son un desfile de géneros: Meet the Feebles combina muppets, sangre, mafia y musical; Bad Taste es puro gore; Braindead humor negro con gore y la muy divertida The Frigtheners aquella película donde Michael J. Fox es amigo de dos fantasmas con quienes estafan, a la mejor manera Ghostbusters, a las personas haciéndoles creer que su casa está embrujada pertenece al subgénero de fantasmas pero también es una comedia. Peter Jackson sabe como combinar géneros entre sí. Pensemos al género como un horizonte de expectativas en el espectador y tratemos de categorizar a  Lord of the Rings dentro de un único género, es imposible pues Lord of the Rings es una masiva combinación de géneros donde hay drama, acción, fantástico, gore con elementos de humor. Además el género es también un conjunto de reglas/convenciones que son acordadas entre quien produce la película y quien la consume. Teniendo en cuenta estas definiciones puedo decir que cuando vi por primera vez LOTR no entendí nada y mi apreciación hacia la película fue más que nada onomatopéyica: “Uhhhh” “Ahhhhh” “UFFFFFF”. En La Comunidad del Anillo, Frodo está en peligro constante, hay una trama de persecución que nos da la pauta de que siempre hay alguien más poderoso que Frodo persiguiéndolo esto lo sabemos inconscientemente pero no lo advertimos por completo hasta que visualizamos el peligro real: un Nazgul le entierra la espada a Frodo y casi lo mata, es decir, nos advierten: este es el héroe y no es inmortal, ¿saben lo traumático que es para un niño ver que el personaje con el cual uno genera una empatía es casi asesinado por un bicho feo? Ni hablar cuando Gandalf se pierde en las minas de Moria, eso fue terrible.
Peter Jackson es un titiritero de las tensiones, La Comunidad del Anillo es una película de tire y afloje constante, sabe cuando relajarnos y cuando ponernos nerviosos: memorable escena y magistral uso del suspense cuando los cuatro hobbits están escondidos debajo de un árbol y un Nazgul (atraído por la presencia del anillo) los está acechando. La Comunidad del Anillo es una película moral, marca una diferencia entre el bien y el mal. Y el concepto de lo que está bien y está mal se pone en juego todo el tiempo con las figuras humanas. El hombre es un ser que se puede corromper que “por querer más” se vuelve ambicioso, un claro ejemplo es la escena en la cual se encuentran caminando por la montaña, Frodo pierde el anillo y Boromir lo encuentra, lo mira y en su expresión vemos como se siente atraído por el mismo, es por eso que el portador del anillo es un hobbit, una criatura fantástica parecida al ser humano pero que no es afectada por el poder maligno que tiene el anillo, eso es lo que nos dice Gandalf cuando le da el anillo a Frodo pero no es lo que sucede. A lo largo de la trilogía, el poder del mal va in crescendo. La Comunidad del Anillo, como toda la trilogía es una película con mensaje que recupera el valor de la amistad, la fidelidad, la honestidad, la esperanza y el compromiso.
Me acuerdo el final de La Comunidad del Anillo cuando Sam y Frodo se van solos en una canoa y la pantalla funde a negro. Me indigné porque nada estaba claro, el final no era concreto ¿como iba una película a terminar así como si nada? ¿y el resto?. Le pregunté a mi papá como terminaba y me dijo: “Y ahora tenés que esperar un año hasta que salga la segunda parte”. Doble indignación no solo no sabía el final sino que tenía que esperar. Con Las Dos Torres fue diferente mi sensación, ya era un año más grande, me había tomado mi tiempo para unirme online a varios clubs de fan de Tolkien y ya tenía todos los libros más El Hobbit comprados por convenio de mi escuela con la cadena Scholastic en inglés, claro que leerlos me fue imposible porque mi formación en la lengua no era tan avanzada. El final de Las Dos Torres tiene algo que hasta el día de hoy no encontré en otras películas, en un monólogo de Sam, dicho sea de paso el verdadero héroe de la trilogía, está el concepto de lo que es una historia y lo que va a pasar en la tercera parte, algo así como un resumen de toda la trilogía. Además de ser este un discurso hermoso que habla de la esperanza es algo así como un buchón entre líneas, y dice así:
  Pero henos aquí, igual que en las grandes historias, señor Frodo, las que realmente importan, llenas de oscuridad y de constantes peligros. Ésas de las que no quieres saber el final, porque ¿cómo van a acabar bien? ¿Cómo volverá el mundo a ser lo que era después de tanta maldad como ha sufrido? Pero al final, todo es pasajero. Como esta sombra, incluso la oscuridad se acaba, para dar paso a un nuevo día. Y cuando el sol brilla, brilla más radiante aún. Esas son las historias que llenan el corazón, porque tienen mucho sentido, aun cuando eres demasiado pequeño para entenderlas. Pero creo, señor Frodo, que ya lo entiendo. Ahora lo entiendo. Los protagonistas de esas historias se rendirían si quisieran. Pero no lo hacen: siguen adelante, porque todos luchan por algo.
-¿Por qué luchas tú ahora, Sam?
-Para que el bien reine en este mundo, señor Frodo. Se puede luchar por eso. “

Ese último discurso de lucha aparece dando vueltas por mi cabeza algunas veces. Dicen que las cosas que vivimos en la niñez nos marcan, ver películas forma parte de la niñez y en mi caso con dos maravillosos padres que poseían un videoclub orientado al cine arte y al género casi podría decirse que las películas fueron mi niñez y con ello mi vida. 


Para Revista 24 Cuadros.